Sorcerer est une resucée du film « le salaire de la peur » réalisé par Henri-Georges Clouzot en 1953, lui-même inspiré du roman de Georges Arnaud. Cette nouvelle version sorti en France sous le tire « le convoi de la peur » est loin de valoir le film original.

William Friedkin avait été impressionné par la musique du groupe allemand et c’est donc naturellement qu’il proposa à Tangerine dream de composer la bande originale de sa nouvelle production. Il ne leur remit qu’un script. La formation allemande composa sans avoir vu la moindre image du film. Tangerine dream écrivit près de 90 minutes de musique. Il a été question que les 47 minutes absentes non retenues par Friedkin pour illustrer son film et inconnues des fans, fassent l’objet d’un CD. Cette éventualité est resté pour l’instant à l’état de projet.

Pour les fans, ce disque, qui mit bien des années à sortir, présentait la particularité d’être composée de morceaux courts et d’une musique différente des productions antérieures de Tangerine dream. Les morceaux courts ont un côté frustrant pour le fan habitué jusque-là à avoir des morceaux longs de son groupe préféré. Il n’empêche ce disque est remarquable.
Il est une pièce maitresse des musiques de film composées par Tangerine dream.

> Composition du disque

1. Main Title (5:28)
   
2. Search (2:54)
3. The Call (1:57)
4. Creation (5:00)
5. Vengeance (5:32)
6. The Journey (2:00)
7. Grind (3:01)
8. Rain Forest (2:30)
9. Abyss (7:04)
10. The Mountain Road (1:53)
11. Impressions Of Sorcerer (2:55)
12. Betrayal (Sorcerer Theme) (3:38)

Total : 43:52

> Compositeurs et musiciens

Edgar Froese, Christoph Franke et Peter Baumann

La Planète Sauvage est un film d’animation de René Laloux (1929-2004), basé sur un roman d’anticipation étrange de Stefan Wul, Oms en série, qui décrit un pays peuplé de Gullivers nommés Draags et d’homme lilliputiens nommés Om, regroupés sur la planète Ygam. Tout ce beau monde (même si les Draags et leurs yeux rouge sang ne sont pas de la beauté la plus évidente) va se bagarrer, les uns pour l’émancipation, les autres pour conserver leur domination intellectuelle et spirituelle. Le long métrage de 72 minutes (un des premiers faits par un français), basé sur des esquisses de Roland Topor, coscénariste, a été réalisé à Prague. Ce film a obtenu le Prix spécial du Jury à Cannes en 1973 et est pour beaucoup, devenu culte, en raison de sa dimension satirique. C’est le pianiste de jazz Alain Goraguer (né en 1931), accompagnateur de Boris Vian et un des arrangeurs, entre autres, de Serge Gainsbourg, France Gall, Jean Ferrat, ainsi que de très nombreuses musiques de film, qui en signe la partition que je vous présente maintenant.

La bande-son de La Planète Sauvage est composée de 25 courts morceaux, un certain nombre d’entre reposant sur une mélodie commune, comme c’est l’usage. Aux côtés de Jean Guérin au synthétiseur EMS VCS-3, Goraguer va réaliser une bande-son d’une singularité totale pour cette époque, en incorporant de nombreux effets électroniques à ses compositions très « psyché ». La guitare wah-wah est omniprésente dans le trip cosmique de cette planète sauvage. Quant à la guitare électrique, elle éclate en complaintes stridentes dans le générique. Certains climats sont très angoissants (écoutez L’Oiseau), et là, le Pink Floyd façon Syd Barrett n’est pas très éloigné des arrangements complexes et énergiques de Goraguer. Les chœurs féminins bourgeonnent en explosions suaves à la Bardot-Gainsbourg.

1. Déshominisation (II) (0:54)
2. Déshominisation (I) (3:50)
3. Générique (0:44) 
4. Le Bracelet (1:27) 
5. Ten et Tiwa (1:46)
6. Maquillage de Tiwa (1:17)
7. Course de Ten (0:53)
8. Ten et Médor (1:47)
9. Ten et Tiwa Dorment (1:49)
10. Ten Est Assomé (0:45)
11. Abite (0:52)
12. Conseil des Draags (0:56)
13. Les Hommes – La Grande Co-Existence (1:15)
14. La Femme (2:12)
15. Mira et Ten (0:44)
16. Mort de Draag (0:52)
17. L’ Oiseau (2:28)
18. La Cité des Hommes Libres (0:51)
19. Attaque des Robots (2:05)
20. La Longue Marche (2:16)
21. Les Fusées (2:20)
22. Générique (2:07)
23. Strip Tease (2:24)
24. Méditation des Enfants (1:33) 
25. La Vieille Meurt (0:46)

Cliquer ici pour voir la vidéo.

..::Article rédigé par Etiennefroes::.. Il est logique qu’une formation musicale créant des titres presque exclusivement instrumentaux soit appelée à créer des bandes sonores pour des films. Tangerine dream a donc fait de nombreuses musiques mais paradoxalement pour les disquaires, ce groupe ne fait pas partie des musiciens de films car il n’apparaît jamais dans les bacs de cette catégorie.

Tangerine dream fait assez vite des musiques de films avant même d’enregistrer un disque. Dès 1968 en la personne d’Edgar Froese, il compose la bande originale de «Der meteor», qui n’a rien à voir avec Jim und Pablo der meteor, produit bien plus tard par la formation allemande. En 1969, Edgar Froese joue dans le film «Underground» et naturellement Tangerine dream compose la musique de cette production cinématographique. Celle-ci, où l’on voit Edgar Froese en galante compagnie dans une baignoire, restera longtemps inconnue pour les fans. Ce n’est que plusieurs décennies plus tard que l’un d’entre eux retrouvera par hasard une copie de ce film. Celui-ci et sa musique seront l’objet de productions pirates. En 1970, Tangerine dream sort son premier disque et se lance dans les années qui suivent dans de longues tournées. Très occupé, il ne compose plus de musique de film avant 1972, pour «Geradeaus bis zum morgen».

La notoriété venant, Tangerine dream enregistre près de 90 minutes de musique pour le film «Sorcerer» qui sortira en 1977. Le réalisateur William Friedkin ne retiendra qu’une quarantaine de minutes de cette bande son d’une efficacité extraordinaire. Pour ce projet hollywoodien, le groupe allemand habitué à s’étendre en des plages de musiques longues permettant à l’auditeur à se plonger en un climat bien particulier, crée ici des morceaux courts qui vont vite à l’essentiel. Cette musique paraît surdimensionnée pour ce film qui est un remake bien fade du «Salaire de la peur», d’Henri-Georges Clouzot, et qui est génère 10 millions de dollars de pertes. La même année, on voit apparaître Tangerine dream dans le film de Jacques Attali, «Pauline et l’ordinateur» qui voit les débuts de Josiane Balasko au cinéma.

Certaines bandes originales de films sont l’objet d’anecdotes. Ainsi celle de «The keep», pourtant de grande qualité n’a jamais été l’occasion d’une publication officielle pour des problèmes de droits entre le producteur du film et la maison de disque de Tangerine dream de l’époque. En 1998, le groupe allemand a obtenu la possibilité de publier «The keep» en 300 exemplaires. La musique du film «The park is mine» («Objectif central park»), réalisé en 1986 et réclamée par les fans, n’était pas sorti en disque lors de la parution de l’œuvre cinématographique. Ce n’est que plus tard, sans l’autorisation de Tangerine dream, qu’un éditeur, sans posséder les bandes originales du groupe allemand a sorti un disque se servant de la bande son du film pour en extraire la musique ; le résultat est médiocre alors que les productions de Tangerine dream pour ce film sont intéressantes. En 1994, est sorti en CD la bande son du film «Catch me if you can» sans que le groupe allemand est donné son accord pour cette parution ; ce disque n’a pas grand intérêt

Il s’agit ici de films de cinéma, de télévision et de séries TV. La musique a été composée pour la production filmée ou le réalisateur a emprunté des thèmes musicaux de disques afin d’illustrer sa création.

• 1968 : Der meteor
• 1969 : Underground
• 1972 : Geradeaus bis zum morgen
• 1977 : Pauline et l’ordinateur
• 1977 : Le convoi de la peur (Sorcerer)
  

  Cliquer ici pour voir la vidéo.

• 1978 : Kneuss
• 1978 : Game over
• 1981 : Dead kids (ou small town massacre ou strange behavior)
• 1981 : Le solitaire (Thief)
• 1982 : Le soldat (The soldier)
• 1982 : Identification d’une femme (Identification of a woman)
• 1982, 1983 et 1991 : Tatort
• 1983 : La Forteresse noire (The keep)
• 1983 : Risky Business
• 1984 : Charlie (Firestarter)
• 1984 : Onde de choc (Wavelength)
• 1984 : Flashpoint
• 1984 : Atout cœur (Heartbrakers)
• 1985 : Fright night
• 1985 : Red heat
• 1985 : Tonnerre mécanique (Streethawk) Lire aussi : Les génériques télé.
• 1985 : Versteckt (Forbidden)
• 1985 : Vision quest (Crazy for you)
• 1985 : Legend
• 1986 : Zoning
• 1986 : Nightmare city
• 1986 : Objectif central park (The park is mine)
• 1987 : Canyon dreams
• 1987 : Deadly care
• 1987 : Tonight’s the night (Game of love)
• 1987 : Three o’clock high
• 1987 : Le Bayou (Shy people)
• 1987 : Aux frontières de l’aube (Near dark)
• 1988 : Red nights
• 1988 : Dead solid perfect
• 1989 : Appel d’urgence (Miracle mile)
• 1989 : Destination Berlin
• 1990 : Rainbow Drive
• 1992 : L’affaire walraff (The man inside)
• 1992 : Rumpelstilskin
• 1993 : The switch
• 1994 : Arrête-moi si tu peux (Catch me if you can)
• 1996 : Memphis PD : war on the streets
• 1997 : Oasis
• 1998 : Transiberia
• 1998 : Luminous Visions
• 1999 : What a blast
• 2000 : Great wall of China
• 2003 : Mota atma

• 1982 : Kamikaze 1989. Film dans lequel Fassbinder est acteur

Eric Serra est l’un des plus grands compositeurs de musiques de films contemporains. Il a pu exporter son talent et sa force de travail (15 heures de travail par jour, selon ses propres dires) jusqu’à Hollywood. Retour sur l’itinéraire d’un fou de musique et d’informatique.

Né en 1959 à Saint-Mandé en région parisienne, le jeune Eric est encouragé par son père Claude Serra à jouer de la musique, ce qu’il fait avec zèle, en passant successivement de la guitare à la basse, du piano à la batterie en passant par la guitare électrique. Son instrument préféré reste la guitare basse, dont le maître est Jaco Pastorius. Sa mère décède alors qu’il n’a que sept ans, ce qui l’affecte énormément. Il se réfugie dans la musique. Grâce à son oreille musicale hors du commun, il s’intègre à diverses formations rock à quinze ans. Il travaille les standards du rock et du R&B. Puis le jeune Eric fréquente dans les studios d’enregistrements des grands noms, où il fait des sessions de basse pour des artistes importants : Mory Kanté, Youssou N’Dour, Catherine Lara ou encore Didier Lockwood.

C’est à partir de mai 1981 et la fête organisée pour la victoire de Mitterrand que Jacques Higelin et lui commencent une collaboration qui durera qui durera sept ans au total. Il croise également la route de Richard Pinhas, créateur du groupe de rock électronique Heldon. À cette même époque, Eric travaille avec le cinéaste Pierre Jolivet, qui a un ami parfaitement inconnu du nom de… Luc Besson.
L’ayant vu sur scène, Luc Besson (24 ans) lui propose de composer la bande originale de son court-métrage Le Dernier Combat (1983), lui qui n’a aucune expérience en ce domaine. Inutile de rappeler que ce premier projet en appellera bien d’autres.

Serra double la mise en 1988, avec la Victoire de la Musique et le César de la catégorie «Musique de films», pour la célèbre B.O. du Grand Bleu, film tourné en anglais. Le Grand Bleu remportera aussi le Grand Prix de la Réalisation Musicale Audiovisuelle, décerné par la SACEM.

Nikita (1990) sera l’occasion de tester une composition 100% numérique. Il récolte de nouveau le César et la Victoire de la musique pour ce film, un doublé jamais vu dans ces cérémonies. Atlantis (1991) lui permet de composer des chansons pour et avec en duo Vanessa Paradis.
La version masculinisée de Nikita, Léon ou The Professional pour les angophones (film plutôt médiocre), met en œuvre différentes styles musicaux. Serra est probablement à son zénith musical avec cet album (même si je n’ai pas eu l’occasion d’écouter Arthur et les Minimoys).

En 1998, Eric créé le concept RXRA (l’écriture phonétique de son patronyme), avec Nourith en choriste. Ce premier album solo chanté en français et en anglais est boudé par les médias, ce qui ne l’empêche pas d’en faire trois versions à l’international : une pour les anglais, une pour les espagnols et une pour les japonais. 

---

> Nouveaux projets, nouveau millénaire

---

Ce revers judiciaire (affectant la Gaumont) n’entamera pas la confiance de Besson en lui (il le redemandera sept ans plus tard), ni d’autres cinéastes, nombreux à le solliciter. Richard Berry, Patrick Allessandrin, Gérard Krawczyk, Danièle Thompson et Paul Hunter font appel à lui en solo ou en équipe entre 2001 et 2005 pour des B.O. En 2005, il est promu Officier des Arts et des lettres par le nouveau gouvernement.En plus de Nourith dont il a participé au premier album solo, Eric Serra met son nom au service des autres en misant sur les groupes Harry Morse Project et Wild. Il fonde un label, initulé Recall Music for films, qui travaille ponctuellement sur des films produits par Besson (Bandidas, Le Transporteur 2).
« Arthur et les Minimoys » est la dernière (promis) série de films promise par le réalisateur Besson, qui compte arrêter de tourner. Serra est toutefois sommé de composer en ayant vu une seule fois le dessin animé, au lieu de pratiquer le « direct » qui lui a tant réussi. Le résultat plait suffisamment à chacun pour décrocher sa quatrième (record en cours) Victoire de la musique en 2006.Depuis cette époque, Serra a concentré ses efforts sur la scène, à la tête du groupe RXRA, dont il assure les voix et la basse, pour une retrouver l’esprit jazz-rock qui lui a donné envie de commencer la musique. en 2007, il se produit sur la scène de l’Olympia de Paris avec un orchestre symphonique de 60 musiciens.
On souhaite « bon vent » à Monsieur Serra, qui a, pour toute une génération, a réussi à donner une certaine âme au son numérique !

---

> Ressources sur le web 

---

• Site officiel
• RXRA sur Myspace
• Grand Bleu « Ouverture » :

  Cliquer ici pour voir la vidéo.

Avant les Chariots de feu (titre original : Chariots of Fire, en anglais), Vangelis a produit nombre d’albums, mais ce qui est sûr, c’est qu’après cet album, plus rien ne sera jamais plus comme avant pour le grec autodidacte. En effet, ce disque enlève l’Oscar de la meilleure bande originale de film.
Ce film présente l’histoire vraie de deux sprinteurs britanniques, qui s’affronte sur la discipline reine du 100 mètres lors des jeux olympiques de 1924 à Paris. À cette époque, Vangelis a un pied en Angleterre, puisqu’il compose cette bande originale dans ses studios Nemo à Londres, et le cœur en France, puisqu’il a une fiancée française. L’album est dédicacé au père de Vangelis, qui était lui-même sprinteur, et qui est décédé peu de temps avant la parution de cet album référant.
C’est le producteur du film, David Puttnam, qui, impressionné par les albums Opéra Sauvage(composé pour Fréderic Rossif) et China, pense à Vangelis pour réaliser la musique de ce long-métrage. C’est la première fois que tant de synthétiseurs enjambent cinquante ans d’histoire (l’époque où se passe le film) pour créer une bande-son si technologique, comparativement.

---

> Conditions d’enregistrement

---

Vangelis a probablement utilisé une dizaine de synthétiseurs pour l’album, son studio en comprenant à l’époque une vingtaine en tout. On peut citer le Prophet 5, le Minimoog, le semi-modulaire ARP 2600; le Korg PSS3300, l’Oberheim 4-Voice, le Roland Jupiter 4, le Yamaha CP80 electric piano et bien sûr le Yamaha CS80, qui donne ces sons cuivrés caractéristiques.
Il joue également toutes les percussions (sa deuxième passion), entouré de ses deux ingénieurs, Raine Shine et John Walker.Pour l’anecdote, une première mouture des musiques fut intégrée au montage par le réalisateur Hugh Hudson, mais Vangelis n’en était pas pleinement satisfait. Vangelis a, en secret, visionné le film plusieurs fois sur trois vidéoprojecteurs dans son studio tout en jouant devant les images, et présenta une nouvelle version qui lui paraissait meilleure. C’est cette version ultime qui s’inscrit sur la bobine. Quant au thème de «Chariots de feu», il fut composé et mixé en une après-midi par Vangelis.

---

> La musique au ralenti

---

L’image du groupe de coureur sur le bord de l’Océan, et la basse synthétique, façon ostinatodu synthétiseurde Vangelis, devenu emblématique se confondent désormais dans la mémoire collective. D’ailleurs nombre de parodies détournent ces éléments qui sont devenus autant de stéréotypes de l’effort.100 metres est un prolongement du rock progressif qui a démarré la carrière solo de Vangelis, tandis que Five Circles confirme les intuitions mélodiques contenues dans les albums Spiral et Albedo 0.39.
Les morceaux les plus méditatifs sont Abraham’s Theme et Eric’s Theme. Le jeu pointilliste de Vangelis déplait fort à une certaine frange de la critique, mais il faut lui reconnaître le talent de raconter de petites histoires en quatre minutes sans paroles.L’hymne Jérusalemest l’adaptation d’un des classiques du répertoire populaire anglais, de Charles Hubert Jastings Parry, « And did those feet in ancient time», publié en 1916. Vangelis accompagne avec un simili-orgue d’église un chœur anglais d’adultes et d’enfants, les Ambrosian Singers, grands habitué des musiques de films.Si certains extraits musicaux du film ne sont pas présents sur l’album, en revanche le morceau-titre «Chariots de feu» comporte des parties librement inspirés du récit, mais non intégrées au montage. C’est ce morceau qui dénote l’influence massive des valses et concertos pour piano de Tchaïkovski. Décomposé en plusieurs mouvements, le rythme interne du piano s’accélère comme le battement du cœur de l’athlète accompagne sa performance. Je préfère ce morceau fougueux à l’autre moitié du disque, qui contient quelques passages assez mièvres.

---

> Records de ventes en accéleré 

---

Par ailleurs, la version album bénéficie d’arrangements améliorés par rapport celle de la pellicule. D’ailleurs, Vangelis déclare régulièrement préférer ses B.O. ultérieures, qu’il juge plus consistantes.
L’album a vendu en un an trois millions de copies à travers le monde, et a contribué au succès du film. Il est resté quatre semaines à la première place des charts américains, et est resté 97 semaines consécutives dans les 200 meilleures ventes d’albums aux Etats-Unis. En Grande-Bretagne, l’album s’installe pendant 107 semaines dans les cent plus grosses ventes d’album.Suite à ce triomphe, les producteurs de chez Polydor harcèleront Vangelis pour qu’il publie de nouveaux projets et surtout qu’il fasse davantage de promotion publicitaire. Mais Vangelis, qui préfère l’ambiance ouatée des studios aux feux des projecteurs, décline poliment en l’occurence. Depuis, deux versions anniversaires «nettoyées» (des craquements de la bande d’origine), avec un nouveau master, ont été conduites par Vangelis, en 2000 puis en 2006, dans ses studios grecs, pour Universal Music. En revanche, les inédits de 1981 y sont toujours absents.

1. Titles (3:33)
   

   Cliquer ici pour voir la vidéo.

2. Five Circles (5:20)
3. Abraham’s Theme (3:20)
4. Eric’s Theme (4:18 )
5. 100 Metres (2:04)
6. Jerusalem (2:47)
7. Chariots of Fire (20:41)

Cet album est la parfaite application de la science mélodique de Vangelis : dépouillé, mélange de thèmes lumineux et de passages plus tourmentés.  D’un aspect plus reposant que la moyenne des disques de Vangelis, Opera Sauvage a une palette large de couleurs musicales. Toujours enregistré aux studios Nemo, il illustre les émissions documentaires éponymes de Frédéric Rossif (22 films en tout, à ne pas confondre avec Sauvage et Beau). D’Opéra, Vangelis a les ressources électroniques pour faire, de sujet aussi (un voyage ethnographique et animalier à travers le monde), de sauvage enfin, il a la lutte forcené avec ses claviers, et dont il tire souvent des sons magnifiques. Prenons donc les pistes (en évitant les fausses) les unes après les autres :

L’hymne (qui n’est pas son hymne pour la Coupe du Monde de football de 2002) de Vangelis est une mélodie très simple et espacée qui se promène de longues trainées de synthétiseurs, conclue par une reprise en canon avec une orchestration appuyée sur les premières mesures. C’est une mise en bouche emphatique et universelle qui célèbre l’humanité. Rien à dire, c’est huilé, efficace. On trouve ce morceau sur de nombreux best-of, et il est facile à fredonner.

L’enfant est un autre standard du répertoire de Vangelis. Son martèlement de synthé basse dès les premières mesures seront également caractéristiques du thème des Chariots de Feu, dont il (le morceau) est une sorte de préfiguration. Les ornements autour de sa mélodie se charge d’égayer son implacable répétition. Pas le meilleur titre de cet album, donc, à mon avis.

Mouettes est un court morceau à la ligne mélodique pointilliste. Un arpège de Rhodes distille une atmosphère lunaire, tandis que le Yamaha gronde de notes sourdes. C’est original, l’idée de s’inspirer du cri d’une mouette permet de composer ce thème assez fantomatique.

Chromatique commence dans la veine principale des mouettes : une mélodie au son très retardé se perche au-dessus d’une guitare classique, mais soudain, les sons graves lui vole la vedette. Le tout se finit dans une éloquente fusion d’univers orientaux et occidentaux. Plutôt intéressant.

Irlande est une mélodie particulièrement déliée qui donne une couleur « celtique » à l’ensemble, avec une superposition de claviers qui se la renvoie comme la mer renvoie sans cesse l’écume.

Jon Anderson, le complice du duo Jon et Vangelis, intervient à la harpe sur l’introduction de Flamants Roses (un clin d’oeil aux Pink Floyd ?). Ce morceau est composé de deux mouvements aisément identifiable, le premier d’environ huit minutes, psychédélique, et le deuxième, moitié moins long, méditatif. La harpe et le clavier enjôleur de Vangelis se livre à un jeu de miroir l’un dans le sillage de l’autre. Dans tout disque de Vangelis, il y a des moments plus rythmés ou saccadés, et bien là, il faut attendre que les crashs de cymbales ne se calent sur la transe du clavier. D’un style néo-classique, Vangelis attaque alors de longues phrases improvisées assez proche du jazz-rock. Le disque se termine sur une partition de harpe très aérée et un synthétiseur aux « riffs » tranchants. Très agréable à écouter, dans l’esprit d’un harpiste comme Andreas Vollenweider.

Pour me résumer, ce disque est plutôt agréable, certains morceaux sont même un peu courts (émission de télé oblige) mais la dimension rythmique décisive qui caractérise ses œuvres antérieures me manquent beaucoup. C’est sans doute une question de goût personnel, mais je préfère les orchestrations plus musclées de Vangelis.

1. Hymne

   Cliquer ici pour voir la vidéo.

2. Rêve
3. L’enfant
4. Mouettes
5. Chromatique
6. Irlande
7. Flamants Roses 

Lire aussi : Vangelis et le synthétiseur.

En 1992, pour les cinq-cent ans de la découverte de l’Amérique, Ridley Scott tourne le long-métrage 1492, Christophe Colomb, avec Gérard Depardieu et Sigourney Weaver. C’est donc Vangelis qui va une nouvelle fois être chargé de la mise en musique, eux, qui ont déjà collaboré sur Blade Runner. Il a été nominé aux Golden Globes de 1993 pour la meilleure musique de film. Le disque a été enregistré à Paris sous la houlette de Philippe Colonna (Mixage et enregistrement)  et de Frederick Rousseau (coproducteur de l’album). Il faut également noter que deux autres collaborateurs de jarre sont de la partie. Il s’agit de Xavier Belanger, l’ethnologue qui a présidé aux sons ethniques de Zoolook, et Denis Vanzetto, l’ingénieur du son sur Rendez-vous et Revolutions.

Dans le livret, Ridley Scott déclare qu’il a d’office voulu une musique qui fasse le pont entre le quinzième siècle et l’époque d’aujourd’hui. Nombre d’instruments traditionnels viennent compléter les synthétiseurs fétiches de Vangelis : guitare andalouse (sur Deliverance et Moxica…), mandoline, flûtes et violons. Avec ce disque, Vangelis a signé son plus gros succès commercial, et son thème le plus universellement mémorisé (Conquest of Paradise).

> Le disque dans le détail

Les trois premières pistes enchainées mettent en valeur le dynamisme du morceau-titre de l’album, notamment la troisième, qui fait se croiser le son du Rhodes aux psalmodie de chanteurs (dits monastiques) en canon. Est-il besoin de parler du thème de 1492 ? Je place la vidéo de ce tube en bas de page, histoire de rafarichir la mémoire des uns des autres.

La quatrième partie, City of Isabel, très épuré, accroche sa mélodie de mandoline et violon. Puis, dans la continuité du précédent, vient la progression chromatique des chœurs de Light and Shadow, sans doute le morceau le plus orchestral de l’ensemble, qui semble dessiner le corps d’une coque de bateau soulevée de vagues. Le synthétiseur rehausse le tout d’une légère teinte lyrique assez habile. Juste le temps pour les voix de s’évanouir dans un dernier de caisse claire, et la guitare de Bruno Manjarrez et Pepe Martinez prennent le relais, sur fond de nappes de synthétiseurs aux sons denses et oppressants.

West across the ocean sea est une courte rhapsodie new-age qui superpose aux tremolos de flutes ses larges nappes synthétiques. Eternity démarre sur un thème amérindien (des bords du Lac Titicaca), avec d’être noyé dans des rouleaux de synthétiseurs emphatiques. Le morceau (paradoxalement nommé Eternity) est malheureusement un peu trop court, mais il donne un bon aperçu du potentiel romantique de la musique de Vangelis avec les effets cuivrés et chorusés qui font son charme et sa spécificité.

Hispanoala emprunte sa rythmique au morceau-titre, mais pour illustrer la partie la plus la plus sombre du film (le dernier tiers), les chœurs de Light & Shadow se font plus scandés et moins diffus. Les cris (en espagnol) qui accompagnent la montée dramatique du morceau accentuent encore la sensation de moiteur de l’ensemble. Du Vangelis symphonique pur cru, relevé par un solo de synthé aux couleurs orientales. Vangelis retrouve pour moi ici la vigueur de ses compositions d’antan (où le synthétiseur se faisait ou bien guilleret ou bien psychédélique), sans perdre de la majesté qu’il confère à ses mélodies souples et puissantes.

Moxica and the horse donne à entendre un Vangelis proche de l’ambiance de Blade Runner, surtout pour toute la partie chantée. Le format épique de ce titre lui laisse le temps de broder de délicieux arpèges en guise de conclusion.

Twenghty Eight Parallel est une reprise flamboyante au piano du thème de l’album. Jeu délié, cordes synthétiques en cascades, et l’adjonction de chœurs d’homme, l’auteur des Chariots de feu fait dans le sûr. Je me suis toujours demandé s’il n’eut pas été judicieux de la placer à la toute fin du disque plutôt qu’en avant-dernière position. Ce, d’autant que le dernier moment de cette expédition musicale souffre un peu de sa longueur, et de ce côté bibliothèque de sons qui m’a toujours gêné chez Vangelis. Ce sera un peu le sens de ma conclusion.

> Un mot de conclusion

1492 représente le style Vangelis d’une manière beaucoup plus accessible que Blade Runner, et contient pas mal de pépites. La couleur générale est globalement plus douce et plus planante que le film de science-fiction, bien que la deuxième moitié du disque soit plus sombre. À écouter à la suite de la B.O. d’Ennio Morricone, the Mission, qui est sorti six ans plus tôt.

1. Opening (1:22) 
2. Conquest of paradise (4:48), le tube absolu de Vangelis 

   Cliquer ici pour voir la vidéo.

3. Monastery of La Rabida (3:38) 
4. City of Isabel (2:17) 
5. Light and Shadow (3:47) 
6. Deliverance (3:29) 
7. West across the ocean sea (2:53) 
8. Eternity (2:00) 
9. Hispanola (4:56) 
10. Moxica and the horse (7:07) 
11. Twenghty Eighth Parallel (5:14) 
12. Pinta, Nina, Santa Maria (Into Eternity) (13:20) 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Note : Je fais une parenthèse  sous forme de deux observations. Le choix de ce titre donne parfois le tournis aux gens qui cherchent la B.O., qui n’est pas classées à Christophe Colomb comme un certain nombre de mélomanes le pensent spontanément. Enfin, pourquoi les rayons des grands disquaires sont-ils si pauvres en disques de Vangelis ?

Lire aussi : Un article sur Vangelis.

Deux ans après le succès du Grand Bleu, Eric Serra et Luc Besson consolident leur fructueuse collaboration avec la bande originale du film Nikita. Le film, qui met en scène Anne Parillaud (qui épousera Jean Michel Jarre en 2005) dans le rôle d’une femme tueuse à gages, est propice à de nombreuses illustrations sonores. Avec la reconnaissance du Grand Bleu (trois millions d’albums bleus écoulés), Serra fonde son studio d’enregistrement, X-plore, et sa propre compagnie de production, the X-Plorians. Cette B.O. récoltera un César de meilleure musique de film en 1989, et une nomination aux Victoire de la musique variétés. Le style, même si la partie rythmique et basse a beaucoup de similitudes avec le Grand Bleu, est plus sombre. L’aspect synthétique est nettement plus poussé que dans les travaux précédents. Les titres en exergue de cet album sont Learning Time, ЛPOKMOP et The Dark Side of Time.

Malgré quelques longueurs, l’intérêt de l’album réside dans les contrastes entre larges nappes de synthés et notes martelées. La basse fret caractéristique de Serra se dandine dans une grammaire musicale urbaine, chic et soyeuse. L’influence d’albums comme Revolutions sur certains morceaux est incontournable (ЛPOKMOP ) Curieusement, l’aspect orchestral a été mis de côté pour la composition de Nikita, préférant alterner des climats jazzy (A smile) ou purement synthétiques et atmosphériques. Le Serra symphonique viendra plus tard…

Serra déclare au journaliste de Cinezik, Benoit Basirico, le 18 décembre 2006 :

Même si l’univers du film est différent, je trouve que la musique est dans la lignée de celle du Grand Bleu, c’est essentiellement du synthétique. Je me suis tellement amusé avec les ordinateurs, que j’ai programmé des parties de basses alors que je suis bassiste. Je programmais même le bruit des doigts. Cet hyper-réalisme me faisait rire, comme un peintre alors que la photographie existe. C’est une passion. Car cela me prenait plus de temps que si je faisais la même chose avec ma basse. Je venais en plus (grâce au succès du Grand Bleu) de m’offrir mon premier studio. Nikita était donc pour moi le summum de la programmation synthétique.

Pas le meilleur disque pour commencer à apprécier le travail de ce français brillant. 

Après mon papier « Supernature » de Cerrone il y a quelques jours, le moment est venu de franchir les alpes. Giorgio Moroder, l’italien moustachu, est un des plus importants producteurs et compositeurs de musique électronique et de variétés. L’italien a prospéré sur les terres du disco avec Donna Summer notamment. Midnight Express (1978) est un film américain d’Alan Parker qui conte le calvaire d’un jeune américain interpellé pour trafic de drogue dans les prisons turques. C’est le compositeur de From here to eternityet d’innombrables hymnes d’évènements sportifs (coupes du monde de football, jeux olympiques). J’ai découvert le nom de l’artiste au dos de la compilation d’Arcade synthétiseur qui honorait cet album de deux reprises assez convaincantes. La musique de l’album a été essentiellement composée (ou devrai-je dire – bricolée) à deux mains avec l’allemand Harold Faltermeyer (le créateur du thème de « Beverly Hills cop »), et enregistré aux studios Musicland de Munich, et ceux du Larrabee Sound de Los Angeles et d’Allen Zentz à Hollywood, à côté du réalisateur Alan Parker. Midnight Express a été composé et enregistré en trois semaines, et mixé en deux jours. Le disque est un peu court, et constitué de deux variantes d’un même morceau : Le thème est d’abord instrumental, puis la voix gracile de Tony Benett vient lui donner une profondeur supplémentaire.

Le titre d’ouverture, Chase, possède une patine disco un peu vieillissante. Sa longueur (plus de huit minutes) accentue son implacable abattage de beats rutilants et d’effets sonores assez anecdotiques. La mélodie tourne autour d’un aller-retour entre un son gras et un son de strings assez aigre. Cette ritournelle a inspiré plus d’un remix chez les jeunes pousses électro. Le « Love theme » débute sympathiquement au piano solo, avant d’être débordé par d’immenses vagues de nappes guimauves, avec ce qu’il faut de chorus et d’effet reverbs. Assez pauvre en harmonies et en subtilités, l’ensemble dérive au-delà des deux premières minutes vers une instrumentation pompeuse. Il faut, à mon sens, attendre Midnight Express, pour constater l’envers subtil de l’alchimie électro-pop de Moroder : une mélodie qui serpente sur plusieurs octaves, et qui ouvre la porte à une curieuse séquence intermédiaire de synthétiseurs « néo-classiques ». Une réussite sucrée, qui tient beaucoup à l’utilisation de notes tenues, et de petits tours de mains orientaux. Ensuite, un morceau assez hors de contexte, un blues tout ce qu’il y a de plus académique, dans un mouvement ragtime du piano de David Castle (qui a co-signé les arrangements du disque) et une interprétation suave auquel répond une guitare électrique de Patrick Mc Clure.

The wheel verse totalement dans la « space music », avec quelques bidouillages électroniques et voix enregistrées, avec un final tapageur. Sans grand intérêt. Istanbul opening est un titre plus consistant, avec une intro tissée de multiples bruissements électroniques, qui malheureusement est anéantie en son centre par une mélodie linéaire et ennuyeuse. Vient le titre le plus « spécial » de l’album : Cacophonie (je préfère le traduire en français) : Trois minutes où Giorgio Moroder se fait laborantin musical, avec bruits blancs à gogo et des sons hystériques. Malheureusement, le son tapageur que je viens d’évoquer revient pour mon plus grand malheur.

Vous êtes dispensé d’acheter ce disque, mais en revanche, rien ne vous interdit de vous porter sur des travux ultérieurs de Moroder, ou éventuellement sur son best-of, même s’il y a trop de chansons dans l’ensemble (la remarque est aussi valable pour Alan Parsons project).

1. Chase (8 :26)

   Cliquer ici pour voir la vidéo.

2. Love’s Theme (5 :34)

3. (Theme from) Midnight Express – Instrumental (4:41)

4. The wheel (2:25)

5. Instanbul Blues (3:20)

6. Cacaphoney (2:57)

7. (Theme from) Midnight Express (4:47)