Trancefer est le premier album de Klaus Schulze sur le label IC. Il est sorti le 1er Octobre 1981. Pour les besoins de ce disque, singulièrement très court pour le Berlinois, 37 minutes seulement, Schulze s’est entouré de deux autres musiciens, qui auront de la place ultérieurement dans sa carrière, Wolfgang Tiepold au violoncelle et de Michael Shrieve aux percussions. Le son tranché et digital de Schulze (c’est son deuxième album avec des instruments numériques après Dig it, qui a une pochette presque similaire) correspond à une vraie mutation par rapport à sa production des années 70 (même si celle-ci est loin d’être hétérogène). Les sons métalliques tissent une structure d’acier autour des deux autres protagonistes. Klaus Schulze joue sur un séquenceur digital. Les amateurs de musique minimaliste seront ravis jusqu’aux oreilles par cette « drone » de musique.

1. A Few Minutes After Trancefer (18:20)
2. Silent Running (18:57)
3. A Few Minutes After Trancefer (Version 33 tours 1/2 vitesse) 18:17 (Bonus Track)
4. Silent Running (Version 45 tours) 19:07 (Bonus Track)

• 10 minutes d’A few minutes after Trancefer :

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Le jour de la Saint-Valentin on ne pouvait attendre autre chose de ma part que de vous raconter une belle histoire d’amour entre un homme et une femme… Sauf qu’ici, il s’agit d’amour de la musique. Je vais vous parler à la fois du concert du Loreley et de la captation qui a été publiée dans la foulée.

Après s’être rencontrés en novembre 2007 dans le studio du claviériste allemand, l’australienne Lisa Gerrard (Dead can dance) et Klaus Schulze ont unis leur talents pour réaliser Farscape, à la mi-2008, un double album de collaboration. Le vendredi 18 juilllet, pour accompagner la sortie de Farscape, les deux sommités se sont donnés rendez-vous au Festival Night of the Prog, à Loreley en Allemagne. Les vétérans de Tangerine Dream était à l’affiche le même soir. D’autres rescapés des années 70, entre autres, étaient également en piste : les mellotonesques Barclay James Harvest et Roger Hodson (ex-voix de Supertramp), pour complèter la programmation du week-end. La santé de Klaus lui permettant de monter sur scène à ce moment-là (il avait annulé plusieurs concerts au mois de mars et d’avril), c’était un moment rare de pouvoir admirer, moyennant 65 euros minimum, l’aisance du Berlinois derrière une pile de claviers, rejoint au cours de la soirée par Lisa Gerrard, pour interpréter deux titres. Quant au titre de l’album, l’or du Rhin, c’est un nouveau clin d’oeil de Schulze à sa passion pour Richard Wagner.

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> Une rencontre électrique / Complicité musicale

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L’Amphithéatre Loreley en plain air était donc l’endroit de convergence des fans de KS et de Lisa Gerrard. L’ensemble du concert prend une forme très improvisée. Cinq titres furent interprétés : « Alberich« , « Wotan« , « Nothung » en solo par l’allemand, et « Loreley » et « Wellgunde » en duo. La complicité de ce couple musical a ébloui les spectateurs, resté éveillé au-delà de 23h15 après le passage du « Dream » d’Edgar Froese. Les séquences clapotantes de Schulze portaient bien la griffre du créateur de Mirage. La voix unique de Lisa nous entraîne sur les rives de la mélancolie, la tête dans les étoiles (car le concert était en plein air, faut-il le rappeler).

Je voulais travailler avec Lisa depuis qu’elle travaille sur Dead can Dance dans les années 80, mais je n’avais jamais eu l’opportunité d’une telle collaboration. (Klaus Schulze, 2008)

Une version double CD plus DVD, intitulé Rheingold, live at Lorelei est sortie à l’issue du concert, à la fin de l’année 2008. C’est le premier DVD live officiel de Klaus Schulze disponible en France. Il est filmé par James L. Frachon. Un titre bonus d’une demi-heure figurent également sur le deuxième CD. Parmi les bonus du DVD, une interview de Klaus Schulze en anglais, et une visite guidée des studios Real World de Peter Gabriel, où a eu lieu le mixage du DVD. De quoi satisfaire pleinement les fans du « Fou de Berlin ». L’image et le son sont impeccables, et l’enclenchement du DTS donne une bonne claque. Mais on n’échappe pas au caractère répétitif du montage, aussi seuls les inconditionnels seront-ils tentés par le coffret.

> CD Rheingold : Live in Loreley

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> CD 1:

1. Alberich [24:56]
2.  Loreley (Avec Lisa Gerrard) [39:35]

> CD 2:

1. Wotan [10:03]
2. Wellgunde (Avec Lisa Gerrard) [14:56]
3. Nothung [11:20]
4. Nibelungen (Bonus-track) [31:27]

1. Alberich [24:56]
2. Loreley [39:35]
3. Wotan [10:03]
4. Wellgunde [14:56]
5. Nothung [11:20]

> DVD 2:

1. Documentaire “The Real World of Klaus Schulze” (65 minutes)
2. Interview “Conversation entre Steven Wilson (Porcupine Tree) et Klaus Schulze” (55 minutes)

• Bande annonce du concert :

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• Le Myspace de Farscape où tout a commencé.

Irrlicht parait en 1972. Après avoir cosigné des disques avec Tangerine Dream et sa formation Ash Ra Tempel, c’est le premier d’une très longue série d’albums personnels de Klaus Schulze. Sa pochette est le reflet d’une des grandes passions de l’époque, à savoir celle de la communication humaine avec les civilisations extra-terrestre (une parabole tournée vers une planète qui ressemble à Saturne).

D’ailleurs, avec Irrlicht, la musique de Schulze semble très extra-terrestre, côté planant oblige !
Il est sous-titré « Quadrophonische Symphonie für Orchester und E-Maschinen », ce qu’on pourrait traduire par « Symphonie quadriphonique pour orchestre et machines électroniques ».
Le disque se compose d’une première face, majestueuse, « Ebene » (29 :00), qui comprend une sous-partie « Gewitter energy rise energy-collaps », et d’une deuxième face, qui s’intitule « Exil Sils Maria ». La musique cosmique voulue par le berlinois se dessine en transparence de cette pastorale électronique à plusieurs instruments. La version remasterisé sortie chez Revisited Records contient une piste bonus, Dongeon, que je n’ai pas pu écouter.

L’ouverture d’Ebene consiste dans le murmure de cordes frottés et de bruit fantomatiques. Elle débouche sur une singulière rencontre entre le bourdonnement continu d’un synthétiseur (à la Blade Runner) avec des manipulations de cordes romantiques. Au bout de dix minutes, le jeu de Klaus Schulze parait au premier plan avec l’orgue électrique qui étend ses longues nappes qui se promènent sur plusieurs octaves. Cette partie, méditative à souhait, possède tout le charme des expériences psychédéliques. Imperceptiblement, le son liquoreux de l’orgue finit par se moduler au travers d’un effet démultiplicateur qui instille de légères dissonances, tout en plaçant une note basse sous-jacente. Après le fracas kaléidoscopique, les cinq dernières minutes permettent à Schulze nous transporte vers un autre climat, plus vaporeux et plus épuré, qui est une transition vers la deuxième moitié de l’album.

Exils Sils Maria est un morceau qui contient des passages très sombres, légèrement glauques, et d’autres, contrastés, qui joignent plusieurs sons dans un seul, sans grammaire mélodique précise. Sculpteur de sons, partisan du jeu le plus spontané possible, Klaus fait oublier la faiblesse de ses moyens technologiques (le synthétiseur VCS 3) par la construction d’une trame générale de collages et de clusters. Pour être plus concret, je dirai que certains passages de cette deuxième parte sont dignes de figurer dans tel ou tel film d’horreur, palpitant entre le reptile et le râle du possédé, où l’on sent trainer quelque spectre malfaisant. Aucune percussion ne vient troubler le rythme possédant de va-et-vient que forment les vagues de sons de Klaus Schulze, subtil jeu d’équilibre entre graves et aigus.

1. Satz Ebene 23:23– Satz Gewitter / Energy Rise Energy Collaps 05:39
2. Satz Exil Sils Maria 21:25

• Lire aussi : La biographie de Klaus Schulze.
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Janvier 1976. Après le disque Timewind, Schulze s’associe au batteur Harald Grosskopf (membre du groupe rock progressif allemand de Jürgen  Dollase, Wallenstein) pour composer deux longues pistes atmosphériques de quasiment une demi-heure chacune.

Enregistré au studio Panne-Paulsen à Frankfort pour le label Brain, Moondawn parfait l’art séquentiel et cathartique de Klaus Schulze (KS). Ce sera le premier succès commercial pour le berlinois (400.000 disques vendus), qui avait acquis une certaine popularité par le biais de ses concerts. Le disque avec ses trois morceaux (dont un bonus) sera réédité en 1995 pour Manikin Records et en 2005, dans le cadre de l’inventaire discographique de Revisited Records. Il faut savoir qu’une version retouchée à la marge par KS (depuis le master) circule à sa petite échelle de passionnés.
Du fait de l’apport de Grosskopf, ce disque a un impact aussi bien rock que cosmique. Le nom de l’album, « l’aube de la lune », oblige d’emblée à prendre la hauteur nécessaire à la contemplation du paysage qu’a composé le peintre Schulze. Il est d’ailleurs considéré comme un de ses tous meilleurs albums (voir le sondage d’En attendant Jarre à ce sujet)

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 > Floating, les notes en apesanteur 

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La première piste, Floating, est une montée en plateau vers des sommets de space-rock portés par la batterie délicate et impressionniste de Grosskopf. Elle est introduite par une voix énigmatique, qui ferait presque penser à une langue d’une terre inconnue. Schulze déclarera utiliser des voix sur ses albums uniquement sur des critères mélodiques et non anthropomorphiques.
De sveltes envolées de claviers entraînent l’auditeur dans une transe progressive. Le volume sonore se renforce petit à petit (huitième minute à peu près) par une séquence de basse binaire dont la pulsation répond aux cymbales et à divers coléoptères sonores griffés ARP. Il se passe dans le final de Floating une sorte de sentiment d’explosivité dans la veine de groupe neveux comme Can. La puissance de ce morceau, mélodieux et logique dans son évolution, donnera naissance à un troisième titre, la Floating Sequence.

La deuxième piste, Mindphaser s’ouvre sur un bruitage de marée, suivi de nappes synthétiques aux formes ondoyantes. Les synthés décrivent une progression harmonique typiquement « Schulzienne », avec ses pics et ses replats. Enfin, comme Klaus Schulze nous a habitués, il change l’angle initial de son morceau à mi-parcours. Du style processionnel et méditatif, nous basculons dans un bel exemple de kraut-rock. Au bout de 11 :47, prend place une structure toute différente, bien moins saccadée, avec un orgue électrique strident et une batterie très free. Schulze régale les oreilles analogiques de ses fidèles avec ce qui est sans doute la quintessence de ses soli des années 70. Au martèlement des touches s’ajoute des tremolos qui semblent s’emparer de notre tête, puis de notre corps entier. Ce doit être en tous cas le sens du nom de ce morceau : Mindphaser, le synchroniseur de cerveau.

• Site officiel de KS (en anglais)
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Timewind est une promenade d’environ une heure formée de deux escales d’une demi-heure chacune. Comme l’explique Schulze dans le livret, un morceau de (sa) musique a besoin de temps pour « prendre vie ». Cet album marque un approfondissement de ses œuvres précédentes, notamment Blackdance (1974), avec un mouvement interne subtil. En 1975, il reçu le Grand prix de l’Académie Charles Cros. Les spectaculaires éléments de sa pochette, qui emprunte ses physionomies spectaculaire aux peintres Dali (l’ami intime d’Edgar Froese) ou Di Chirico, alimentent beaucoup d’interprétations ésotériques ou morbides. À l’arrière-plan, un paysage désertique est parsemé de reliefs rocheux improbables qui semblent dessiner une clé (on pourrait également envisager des ruines). Devant, trois silhouettes fantomatiques décharnées tournent le dos au spectateur. Le regard est ensuite interpellé, de haut en bas, par la représentation d’un crâne posé sur un carrelage en forme de damier. Au dos de l’album, un joli croquis de Schulze donne à voir des indications iconiques l’emplacement des différentes couches successives de Wahnfried.

> Conclusion

> Lire aussi : L’analyse musicologique de Pierre malle sur Bayreuth Return.

  Résumé des épisodes précédents. Un nouveau voyage dans le monde obscur de Klaus Schulze où se mêlent des séquences réverbérées sur les murs sombres de son studio de Hambühren.

Le premier morceau nous fait une sorte de sommaire de sa discographie des années 70 aux années ’07. Le second morceau est composé de nappes obscures auxquelles s’ajoute une voix féminine lointaine puis au milieu du morceau vient se greffer la marque de fabrique de Klaus, la séquence Schulzienne, le son unique qui donne de la puissance au morceau et fait de cet album un chef d’œuvre.

Le troisième et dernier morceau enfin est un vrai retour aux sources, un retour à cette atmosphère Schulzienne caractérisée par des nappes profondes, une séquence à la mélodie répétitive mais à la texture du son variable, passant d’une profondeur extrême à une explosion acide, le tout saupoudré avec une batterie jouée à la main (rappelons que Klaus est à l’origine un batteur).

Servi avec une forte réverbération, vous avez ici la crème des albums de Klaus, un magnifique retour aux sources auquel on ne peut pas échapper, c’est l’album à avoir pour se faire une idée de qui est ce bonhomme ! Malgré la maladie qui l’a extrêmement diminué, il revient nous faire rêver, merci Klaus !
Critique signée Nico Noyau.